De la mano de los creadores de la prolífera saga de SAW, nos llega otra de esas películas que, acompañadas de una buena campaña de publicidad en la que se nos promete que nos vamos a morir de miedo, con cámaras ocultas en los cines estadounidenses donde vemos a la gente gritando horrorizados, acaban por decepcionarnos siendo otro refrito más de lo que ya hemos visto mil veces en pantalla. En esta ocasión, otro refrito de casas encantadas donde tenemos contantes déjà-vu de clásicos como El Ente y por supuesto Poltergeist, las recientes Paranormal Activity, y yo hasta me atrevería a recordar a la cómica Beetlejuice entre ese paralelo mundo fantasmal y los extraños personajes maquillados hasta la rabadilla.

Científico freak y abuela espiritista

Tenemos a la familia Lambert, el típico matrimonio joven compuesto por Josh (el fotógrafo de la inquietante Hard Candy) y Renai (28 semanas después y recientemente en X-Men First Class) quienes hacen el mismo papel que hemos visto tantas y tantas veces de mujer que ve cosas raras y está desesperada y marido que no se cree nada y la toma por loca, y sus tres hijos, el mayor de los cuales queda en coma y nadie sabe por qué. A partir de entonces comienzan las extrañas presencias y apariciones, y a pesar de que llegan a mudarse de casa, los sucesos no cesan. Entonces aparecen los no menos esperados científicos freaks con tecnología cazafantasmas y, al verse desbordados, llaman a la no menos clásica anciana médium que monta una curiosa sesión de espiritismo, máscara de gas incluída (suponemos que para tratar de dar más miedo) que nos explicará lo que sucede. Hasta aquí, todo exactamente igual que lo que hemos visto siempre, y ya llevamos más de media película.

¿El espíritu de Darth Maul atormentando a una familia americana?

La pequeña diferencia se encuentra en que la explicación esta vez no se debe a que la casa estuviera encantada, sino que buscan al menos un cambio en el tan manido argumento, introduciendo elementos algo nuevos como los viajes astrales. Un insuficiente intento por darle un aire de originalidad a la cinta que, por lo demás, es de lo más previsible. Sin embargo, no se puede decir que resulte aburrida, ya que dejando de lado que poco nuevo vamos a ver, sí que es entretenida y tiene algún que otro sustillo, pero nada tan remarcable como para tomarse en serio esas imagenes publicitarias de gente tan horrorizada mientras ve la película. Además, especialmente por el excesivo maquillaje y las “tenebrosas” sonrisas de las apariciones, hay muchos momentos en los que acaba uno riendo más que asustándose. Notable mención al más malo de los espíritus que guarda un más que curioso parecido con Darth Maul de Star Wars Episodio I: La Amenaza Fantasma. Conclusión: se puede ver, pero no esperéis nada sorprendente.

(5/10)

Curioseando por la red y de forma totalmente casual di a parar con esta película cuyo título me llamó la atención. Cual fue mi sorpresa al ver quien era su director, el mismo señor que ha hecho películas como Alone in the Dark, House of the Dead y otros títulos que a mi juicio no eran más que bodrios intragables (lo siento fanboys), Mr. Uwe Boll! De súbito un escalofrío recorrió mi espalda y empecé a temblar… ávido de buscar información antes de enfrentarme a otro fracaso cinematográfico más, me di cuenta de que el argumento trataba sobre algo mucho más serio. Fue entonces cuando me decidí a verla y acerté.

Ultraviolenta, sádica y sin compasión. Desde luego no es apta para todos los gustos… y lo más escalofriante es que está basada en hechos reales… que de qué va? imaginaos a un tipo blindado con una armadura de kevlar y armado hasta los dientes, totalmente “fuera de control” y acribillando a gente por la calle con total ausencia de sentimientos, con un plan a sus espaldas milimétricamente trazado que le asegurará sin duda cumplir sus objetivos. Tranquilos… no sólo se queda en una carnicería, la película tiene un trasfondo bastante superior y Boll esta vez ha acertado. Toca un tema muy delicado y hace bien en no mostrar ningún punto de vista moral, básicamente se centra en explicar lo sucedido tal como es. Además es muy mordaz criticando a la sociedad americana (y al mundo entero, qué demonios).

Podría evocar a películas como Un día de Furia (Michael Douglas) pero la situación evidentemente es mucho más atroz. Todo el film está rodado cámara en mano provocando una vista en primera persona que sumerge bastante bien al espectador (a mi juicio no “marea”,  aunque he leído opiniones contrarias en este aspecto), y proporcionándole a la obra mucha más crudeza y realismo. Su protagonista se mete perfectamente en el papel y su frialdad a la hora de comportarse ante las distintas situaciones es verdaderamente escalofriante. Buen final, se guarda una buena sorpresa y más de uno se quedará con cara de decir… “Pero qué hijo de p…!

Aquí os dejo un vídeo del trailer

Cuando Tom Hooper se puso al frente de ésta película tal vez no sabía la lluvia de premios que le iban a caer, o tal vez sí. La gran triunfadora de la pasada edición de los Oscars puede que sea una película bastante vistosa, bien actuada y bien dirigida, pero seamos sinceros, si Hooper no hubiera llegado a contar con Colin Firth como actor principal y Geoffrey Rush como secundario, probablemente no se hubiera hablado tanto de esta película.

Recordemos que Colin Firth se mete en la piel del tartamudo George VI de Inglaterra, que se ve obligado a superar su tartamudez cuando el trono del país recae inesperadamente sobre él. Para ello, su mujer (una increíble Helena Bonham Carter) recorre medio Londres hasta dar con un brillante logopeda. Aquí es cuando entra en acción Geoffrey Rush. Éste no solo ayudará a su futuro rey a superar el problema con la dicción, la relación entre ambos trascenderá. Estamos ante una película elegante, con personajes bien dirigidos e interpretados y con unos escenarios que aportan elegancia y sobriedad al aspecto visual. Hooper, con la tragedia de la Primera Guerra Mundial pudiéndose palpar de fondo, consigue hacer un film equilibrado, del cual el aspecto mas notorio se encuentra en las interpretaciones de los actores. Firth consigue hacer de su papel un papel creíble, que ya es bastante, y Rush simplemente parece que ha estado toda vida ejerciendo como logopeda de reyes algo malhumorados. El eje central de la película, que bien podía haber sido el inminente desastre que se avecinaba, sin embargo, son las historias de superación de los personajes, la evolución que sufren sus vidas, su cotidianeidad y, por encima de todo, su amistad.

Porque ésta mas que una película histórica con pequeñas pinceladas de humor inglés, es el retrato de una bonita historia de amistad. En fin, no estamos ante la película del siglo, ya que la dirección de Hooper y el guión de David Seidler son poco arriesgados, pero sí que estamos ante la película del año.

Cuando descubrí el lanzamiento de la aplicación Angry Birds Rio creí entender que harían una película con los pollos asesinos de Angry Birds. Angry Birds, es un juego desarrollado por Rovio para Apple que trata, precisamente, de pájaros furiosos que se defienden de una jauría de cerdos que intentan robar sus huevos. El caso es que Rovio lanzó hace poco una edición especial de juego basándose en la película Rio y lo acompañaron con un corto animado de calidad y muy bien producido (20th Century Fox). La película en si no tiene nada que ver con el juego. Aunque, esta vez, no pretendo hablar de Angry Birds sino hacer una crítica del largometraje de animación por ordenador en 3D.

Quisiera empezar por la banda sonora, es increíble. Juegan con la música típica de Brasil constantemente ya que, a parte de incluir canciones clásicas como “Máis que nada” que asociamos instintivamente al país, meten al público de lleno en la Samba y la Bossa Nova. En mi caso, vi la versión doblada al Castellano pero no deja nada que desear a la versión original puesto que los dobladores hacen un gran trabajo.

Metiéndonos en la trama, la película, como muchos ya sabréis, trata de un loro guacamayo de color azul intenso que no sabe volar ya que lo enjaulan desde que es una cría y vive muchos años como animal de compañía. Pasa a vivir de un clima tropical a uno completamente distinto como es el de Minnesota en Estados Unidos. Tiene la suerte de ir a parar a las manos de una buena persona que promete cuidarlo siempre y lo bautiza como “Blu”. Sin embargo, un buen día aparece un Doctor especialista en aves que pretende convencer a la dueña de que Blu es el único ejemplar existente, a parte de una hembra que tiene él en su laboratorio de Río de Janeiro. Cuando logran convencerlos, el resto de la película tiene lugar en Brasil y se desarrollan historias de amor paralelas entre los protagonistas animales y los protagonistas humanos.

La animación es de escándalo, como no podía ser menos y es que cada vez parecen superarse más entre unas compañías y otras. Detalles minuciosos y colores vivos. Algunos opinarán que el 3D no marca una gran diferencia pero lo cierto es que, aunque no llegue nunca ese tiburón que siempre esperamos venga a devorarnos, los personajes ganan un importante volumen dentro del largometraje. Al tratarse de aves, el hecho de que el filme sea en tres dimensiones le otorga esas “alas” necesarias para situar a las aves y a los personajes en planos distintos, en resumen, todo se vuelve mucho más “realista”.

Dejando a un lado la trama, el gran trabajo de animación y la banda sonora, voy a hablar de la intencionalidad, es decir, como la gran mayoría de películas de animación, Río no es menos y muestra distintos valores morales al público. Por un lado, tenemos la dura crítica al maltrato animal y al comercio ilegal que se sigue haciendo a día de hoy con ellos. Por otro lado, nos muestran lo bello de Brasil, los carnavales, la naturaleza en su más pura esencia, pero también la cruda pobreza que viven muchos de sus habitantes. Un ejemplo de ello lo representa un chaval joven, sin padres, sin casa y sin recursos económicos que se dedica a vagar por las calles y a robar pájaros a cambio de dinero.

Sin lugar a dudas una gran película de animación recomendada para todos los públicos. Mi valoración personal es de 10 sobre 10.  Siempre podríamos criticar esto o lo otro mas creo que en este caso sí que tendríamos que responder a las críticas con un “haz algo similar y después critica” porque hay un gran trabajo y una enorme suma de dinero detrás de todo esto.

¿A quién no le gusta la magia?, tras un gran mago se esconden muchos secretos y por supuesto nunca deben ser revelados. Ahí consiste la gracia del truco en simplemente no entender su funcionamiento. Hoy quiero recomendaros dos grandes películas sobre el tema que no tienen ningún desperdicio.

El Truco Final (El Prestigio), dirigida por Christopher Nolan.

Ambientada en el Londres de a finales del siglo XIX, época donde los espectáculos de magia tenían un gran renombre e importancia, dos jóvenes magos con un mismo objetivo pero una diferente forma de trabajar disputarán un duelo con consecuencias increíbles. Robert Angier (Hugh Jackman) es un sofisticado e increíble artista capaz de embaucar al público en sus trucos y embelesarlos consiguiendo el efecto deseado. Mientras que Alfred Borden (Christian Bale) es un genio creativo capaz de conseguir los trucos más complicados de imaginar. Al principio son amigos de profesión trabajando bajo las órdenes del gran Michael Caine pero un desafortunado incidente pondrá en un enfrentamiento final a estos dos grandes magos.

Christpoher Nolan ha sabido llevar un buen ritmo en esta película, truco a truco, espectáculo a espectáculo la intriga y originalidad de la trama van cogiendo fuerza para acabar con un final interesante y potente. A mi juicio sobra la interpretación de Scarlett Johansson cuyo papel podría haber sido interpretado por cualquier otra actriz.

El Ilusionista, dirigida por Neil Burger

Esta vez nos transportamos a otra ciudad de encanto y con mucha magia… Viena a principios del siglo XX. El gran mago Eisenheim (Edward Norton, brillante) tiene un gran renombre en la ciudad, sus actuaciones son tan increíbles que el público le atribuye poderes sobrenaturales. Estos rumores llegarán a oídos del príncipe heredero Leopold (Rufus Sewell) quien al considerarlo un vil impostor intentará poner a nuestro gran mago en jaque con la ayuda del inspector Uhl (Paul Giamatti).

Por casualidades del destino, la prometida del príncipe, Sophie (Jessica Biel) participará en uno de los trucos de Eisenheim y será entonces cuando recuerde a su amor de la infancia. A partir de aquí la trama se complicará y podremos ser partícipes de uno de los grandes trucos de nuestro mago… que prácticamente rozará lo sobrenatural. He de decir que los efectos son realmente buenos y muy originales.

Pues vamos con otra peli de vampiros! (alguno pensaréis que este tipo que escribe las críticas ya es un poco repetitivo con el tema del vampirismo) prometido que la próxima crítica será de algo distinto de acuerdo?

El principal motivo por el que quiero comentaros la existencia de este film es precisamente porque no es la típica película de vampiros. Se basa en una idea más evolucionada y que realmente puede dar mucho de sí, aunque por desgracia no esté desarrollada todo lo bien que a mi me hubiera gustado.

Año 2019, casi la totalidad de la población del planeta se ha convertido en vampiros y en consecuencia son los que dominan el mundo ahora mismo. Los pocos humanos que todavía quedan intentan huir de granjas de extracción donde someten a las personas como simples sacos de zumo para poder extraer la valiosa sangre que mantiene viva a los vampiros. Un investigador vampiro (Ethan Hawke) tiene como misión encontrar un sustitutivo de la sangre para poder perpetuar la especie. Su inclinación hacia la protección de la raza humana le meterá en muchos problemas.

La película cuenta con un reparto sólido y bien situado, Willem Dafoe, Sam Neill e Ethan Hawke hacen que gane bastantes puntos la historia. Algo que me gustaría destacar es el humor negro con el que juegan los hermanos Spierig (directores de la película) haciendo ver al espectador una sociedad creada específicamente para los vampiros, con túneles subterráneos que comunican edificios para que éstos puedan desplazarse durante el día, sistemas de protección para los coches con lunas tintadas y cámaras para poder conducir a plena luz del sol, etc.

La estética está muy cuidada y realmente podríamos encontrarnos ante una película de ciencia ficción más que de terror (aunque cuenta con algunas escenillas algo gore). Por supuesto tenía que haber un “pero” y en el caso de esta obra lo que peca es de previsible. Hacia la mitad de la película el espectador ya sabe prácticamente como va a ser el final y empieza a parecerse más a una “peli de acción” que de intriga o thriller vampírico. Una verdadera lástima porque la idea podría dar mucho más juego.

No obstante para una noche de sábado que a uno no le apetezca salir a dar tumbos por la calle y no sepa qué ver es una opción más que recomendable, os aseguro que no se hace pesada ni aburrida, no es un título para recordar con los años pero a más de uno seguro que le agrada.

Como siempre, os dejo el trailer para que le echéis un vistazo.

La nueva película de Álex de la Iglesia cuenta de nuevo, tras una distinta y un tanto impersonal “Los Crímenes de Oxford”, con todos los elementos que hacen reconocible su cine, y eso es algo que se agradece. Después de verla, no puedo decir que sea su mejor película, pero desde luego es 100% Álex de la Iglesia, y en ese aspecto uno no puede salir defraudado.

Haciendo paralelismos entre las dos españas enfrentadas de la Guerra Civil, representada en la introducción, y el choque de personalidades entre los dos protagonistas, el director Bilbaíno nos ofrece una historia de celos y venganza, enmarcada en el contexto de un circo a principios de los años 70 del siglo XX.

Javier (Carlos Areces) es un tipo triste y solitario, marcado por una dura infancia en la que su padre (Santiago Segura), también payaso, fue encarcelado y obligado a trabajos forzados en la construcción del Valle de los Caídos después de ser forzosamente reclutado por la milicia republicana en mitad de su trabajo. Éste muere a manos del Coronel Salcedo (Sancho Gracia) tras un intento de liberarlo por parte de Javier, no sin antes meterle en la cabeza la idea de que siempre sería el payaso triste, el que recibe las tortas, y que jamás alcanzaría la felicidad si no es mediante la venganza.

En el circo donde empieza a trabajar, entre muchos personajes variopintos, conoce a una trapecista llamada Natalia (Carolina Bang) de la que se enamora, comenzando a ejercer labores de pagafantas, puesto que es la novia de su jefe Sergio (Antonio de la Torre), quien trabaja de payaso tonto y es la atracción principal del circo. Éste, además, es alcohólico y violento y a menudo pega palizas a Natalia, que a pesar de todo es incapaz de dejarle, pero busca consuelo y seguridad en Javier.

Mala noticia para todos los amantes del humor y del cine en general. A sus 84 años, el pasado domingo 28 de noviembre nos dejaba Leslie William Nielsen a causa de una neumonía.

Leslie Nielsen, nacido en canadá en 1926, fue conocido por muchos de nosotros gracias a sus múltiples apariciones en comedias de humor absurdo, especialmente por Aterriza Como puedas o la saga de Agárralo Como Puedas, interpretando al detective Frank Drebin. Pero no solamente a esto se dedicaba. Leslie tiene una dilatada carrera como actor a partir de 1950, tanto en películas como en series, algunas tan conocidas como Vacaciones en el mar, Kung Fu, Los Hombres de Harrelson o Las Calles de San Francisco. Un servidor también lo recuerda con especial cariño por su aparición en La Aventura del Poseidón (1972) y su papel como comandante de la nave espacial que aterriza forzosamente en el Planeta Prohibido (1956),  clásico de la ciencia ficción donde apareció por primera vez Robbie el Robot, que volvería a aparecer en numerosas ocasiones en series y películas como Dimensión Desconocida, La Familia Addams, Perdidos en el Espacio, Colombo o Gremlins.

En una de sus últimas apariciones en la gran pantalla, Leslie Nielsen visitó brevemente España para aparecer junto a Alex de la Iglesia en una escena en la película Spanish Movie (2009). Fue su antepenúltima película. Las dos siguientes, aún por estrenar, serán Stonerville (2010) y The Waterman Movie (2011).

Fue muy querido por muchos y desde este blog le recordaremos siempre con un gran cariño. Allí donde estés, descansa en paz, Leslie.

Regina, Canadá, 11 de febrero de 1926 — Ft. Lauderdale, EEUU, 28 de noviembre de 2010

Todos hemos visto alguna película por recomendación de un familiar o amigo, o guiados por las críticas especializadas, que nos han dicho que es una obra maestra y, con mejores o peores argumentos, han llegado prácticamente a convencernos de que es imposible que no nos  guste a menos que no tengamos ni idea de cine o carezcamos por completo de gusto y criterio. Y muchas veces nos ha pasado que, tras ver la dichosa película, nos ha parecido la hora y media (en los peores casos, puede que más) más tirada a la basura de nuestra vida, y nos hemos acordado de todo el árbol genealógico de quien tanto nos la alabó.

En caso de que sencíllamente la viéramos por la tele en un momento en el que no daban otra cosa, no le habríamos dado más importancia que la de haber visto una mala película. Pero, cuando además comenzamos a oir a todo el mundo hablar de lo grande que era ese filme y a ridiculizarnos por no compartir su opinión, acabamos por aborrecerla de veras, hasta el punto de llegar a odiar la película, a su creador, y sobre todo, a sus deleznables seguidores.

Hoy, en un momento de reflexión, he creado mi Top 5 personal de películas que he llegado a aborrecer, no sólo por lo terriblemente soporíferas que me parecen, sino porque además todo el mundo que me rodea parece adorarlas hasta el punto del fanatismo. ¿Cuáles son las vuestras?

5- MAR ADENTRO

Me gusta Amenábar. Desde que lo descubrí con Tesis (1996) me ha parecido uno de los directores españoles más interesantes, con películas originales e intrigantes, que va más allá del cine típicamente español, generalmente dividido en 3 sub-estilos: la comedia fácil, los dramas familiares y/o de prostitución, transexuales y drogadictos (esto podría llamarse también “género Almodóvar”), y la Guerra Civil Española. Pero en esta película cayó en el efectismo barato de aprovechar el tirón mediático de Ramón Sampedro y el debate moralista sobre la eutanasia que éste generó. Una película aburrida y lacrimógena, únicamente disfrutable por señoras de mediana edad deseosas de sacar el pañuelo y llorar a moco tendido durante un rato sin que nadie les mire mal por ello. Qué mejor para eso que una sala de cine a oscuras, rodeadas por unas cuántas señoras más como ellas. Pero claro, el protagonista es Javier Bardem, y no se puede decir que una película donde participe es mala, porque todo el mundo sabe que es un gran actor. Si dices lo contrario, no tienes ni idea de cine.

4- EL CURIOSO CASO DE BENJAMIN BUTTON

Cuando vi que esta película tenía 13 nominaciones a los Oscars, literalmente aluciné. Esperaba una película a lo Forrest Gump, larga pero entretenida, llena de anécdotas curiosas y divertidas. Nada más lejos de la realidad. El filme dura casi 3 horas, y en todo el metraje no ocurre absolutamente nada. Actuaciones insípidas a más no poder, carentes por completo de emoción. Una escena donde se reencuentra con su padre, que debió ser increíblemente emotiva, se desarrolla como si hubiese quedado con el vecino a tomar un café. Su pseudo-romance con la niña no llega ni por asomo a reflejar un parecido con la tormentosa relación llena de altibajos de Tom Hanks y Robin Wright en la película de Zemeckis. Encuentros insulsos y anodinos que nunca terminan en nada, y que al final pretenden sorprendernos (Atención, SPOILER) descubriéndonos que ella estaba embarazada de él, cosa totalmente predecible porque si después de tanto tiempo perdido como mínimo no tiene descendencia, es que realmente su vida ha sido un sin sentido. Finalmente se llevó un Oscar por los efectos visuales, que no compensan el haberse tragado semejante bodrio.

3- MULHOLLAND DRIVE

Aquí podrían extrapolarse todas las películas de David Lynch, director sobrevalorado por excelencia. Para mí, amante de la ciencia ficción y de las películas un tanto surrealistas, uno de los dos tipos más odiosos de género junto a David Cronenberg, con el don de convertir un argumento en un principio altamente interesante y atractivo en un completo despropósito capaz de aburrir hasta a un mono con unos platillos. Pero cualquier gafapasta que gusta de ir de entendido en cine, arte y demás modernidades supuestamente intelectuales y que les desmarcan del resto de ovejas del rebaño, nos dirá que si no nos ha gustado alguna de sus películas es porque, evidentemente, no somos entendidos en cine, arte y demás modernidades supuestamente intelectuales. Hay que ser un erudito para poder apreciar la obra del “gran” David Lynch. Pues bien, que se amarguen los eruditos, que yo no veo una película para dormirme. Como es habitual en el cine de este individuo, nos encontramos con numerosas escenas oníricas, es decir, que la mitad de la película están soñando o alucinando. Realmente la trama es tan sencilla como que una lesbiana ha matado a su amante y tiene remordimientos, que seguramente junto al consumo de más drogas de las que debiera, le hacen tener sueños demasiado reales y a la vez carentes de sentido, a lo que añadiendo el fácil recurso de un final abierto para librarse de explicar las cosas que no se entienden, que son muchas (por el hecho de que realmente no tienen explicación), le da la excusa perfecta al director para ofrecer su película como una obra maestra llena de detalles que tan sólo un hábil y observador entendido en las oscuras artes del cine es capaz de interpretar correctamente. Y en esto se escudan sus seguidores para dárselas de expertos en la materia, aburriéndonos con sus fútiles interpretaciones. Pues déjenme decirles una cosa. No, no han entendido la película, porque no hay nada que entender. Sólamente es un rollo patatero.

2- LUCÍA Y EL SEXO

A priori, una película con Elena Anaya y Paz Vega desnudas no puede ser una mala película. Craso error. Lo que es un gran reclamo para el público masculino, acaba por no merecer el esfuerzo de soportar tamaño bodrio insufrible. Estoy harto de oir hablar del preciosismo poético de las imagenes y de la sensibilidad artística de Julio Medem, otro que, como Lynch, convierte en sopor todo lo que toca, cambiando la ciencia ficción por el erotismo. Si quiero disfrutar de la fotografía, voy a ver una exposición fotográfica o me voy yo mismo a hacer fotos a la playa (¿y esa sobreexposición en las escenas con sol? claro, será a propósito porque es artístico). No necesito aguantar la voz de carajillo de Najwa Nimri y un montón de parloteo de enamorados y dramones dirigidos a arañar algún premio de la crítica. Además, las coincidencias entre gente que no se conoce y que acaba en el mismo lugar son más forzadas que en la serie de Perdidos, donde como mínimo crean algo de intriga. Aquí, a nadie le importa.

1- AMÉLIE

Para mí, la película más sobrevalorada de cuantas he visto y oído. Por alguna razón que desconozco, parece gustar absolutamente a todo el mundo. Pero no gustar como una buena película, no. No he encontrado una sola crítica que la ponga a un nivel inferior al de Obra Maestra, y sus fanáticos, especialmente mujeres, serían capaces de acuchillarte si osas pronunciar una mala palabra contra esta película. Pero es lo más aburrido, cursi, ñoño y absurdo que ha parido cineasta. Por lo general no me gusta el cine francés, pero esta cinta se lleva la palma. Únicamente apta para niñatas inmaduras que se pasan el día suspirando por su príncipe azul imaginario en su mundo lleno de caramelo y algodón de azúcar. Empalagosa hasta decir basta. Mi sorpresa especialmente ha sido al encontrarme también con fanáticos masculinos de esta sarta de chorradas protagonizada por una actriz con cara de necesitar urgentemente ser internada en un psiquiátrico. Creo y espero en lo más profundo de mi corazón, que defienden el filme únicamente por quedar como chicos sensibles a los ojos de sus acérrimas seguidoras en un vano intento por conseguir despertar el interés de estas jovencitas tontas y fácilmente enamoradizas, lo cual encuentro altamente patético pero al fin y al cabo comprensible. Si realmente les gusta, dudo tanto de su criterio como de su sexualidad.

Que a la industria del cine ya hace años que se le acabaron las ideas, es algo que ya no nos viene de nuevo. Al menos la que nos llega de Hollywood, que es la mayoritaria. Atrás quedaron esos tiempos en los que se hacían grandes películas que quedaban en el recuerdo, que sin enormes alardes de efectos especiales, nos cautivaban con sus imaginativas y originales historias, y con las grandes actuaciones de sus protagonistas. Ahora, el cine cuesta unas 3 veces más de lo que costaba hace una década, pero la sensación habitual que tenemos cuando salimos de la sala es la de que nos han estafado.

En los últimos tiempos, para tapar su incapacidad para crear material nuevo e interesante para el gran público, directores, productores, guionistas y demás responsables de engendrar películas han recurrido a diversas estratagemas que les han reportado cierto tirón momentaneo. Claros ejemplos fueron la moda de los nuevos Slasher, que a partir del éxito de Scream arrastraron a millones de adolescentes a las salas de cine, las de los superhéroes, de los cuales últimamente están adaptando prácticamente todos los habidos y por haber (excepto a Superlópez, que parece que nunca le llega su momento), o la de los zombies. También nos han atacado vilmente con precuelas de todo tipo, en las que por lo general más que explicarnos la historia de nuestros héroes favoritos, se la cargan con todas las de la ley. Y ahora le ha tocado el turno a la más carente de imaginación de todas las ideas: volver a explotar películas o series antiguas y convertirlas en nuevas sagas adaptadas a las nuevas generaciones. La fiebre del remake.

Películas tan famosas de los 80 como Pesadilla en Elm Street, Karate Kid o incluso Tron están invadiendo de nuevo nuestras pantallas con mayor o menor acierto. Algunas son bastante decentes, como la de El Amanecer de los Muertos, otras no aportan nada nuevo pero se pueden ver, pero una gran mayoría, sencillamente hubiese sido mejor que jamás viesen la luz y dejaran intacto el buen recuerdo que nos dejaron en su momento las originales. Y es que ¿realmente tiene algún sentido volver a grabar Prom Night a estas alturas? Bastantes películas sobre asesinatos de adolescentes americanos en la noche del baile de fin de curso tenemos ya, como para recuperar una de los 80. Y puestos a desprotricar, ¿qué demonios pretendían con esa desfachatez mal llamada Furia de Titanes? A parte de explotar el boom del 3D, claro está. ¿Qué será lo próximo, Jasón y los Argonautas? Espero no haberlo dicho demasiado alto.

Tampoco las series se han salvado de la quema. Recientemente hemos visto en la gran pantalla la vuelta de Starsky & Hutch, Los Dukes de Hazzard, y hace poco una tan mítica como El Equipo A. Dibujos animados como Transformers también han dado el salto al cine. El Coche Fantástico ha vuelto a protagonizar una serie, y hasta los temidos lagartos de V han regresado, pero sin una cuarta parte de la gracia que tuvo en su momento la malvada comerratones de Diana. Y eso a pesar de contar con Morena Baccarin en el reparto, que para mí era un reclamo de interés, y el interés se esfumó tras ver unos pocos episodios.

Y, estando inmersos en tanto remake, no podían faltar los rumores en la red. Se comentan cosas realmente espeluznantes, como que pretenden recuperar Weird Science (aquí conocida como Una Chica Explosiva), Top Gun (no, por Dios, no) o una de las que más temor me provoca: la vuelta de Regreso al Futuro. Como muchos de mi generación, la trilogía de Robert Zemeckis es una de las que con más cariño recuerdo, y a día de hoy aún sigo disfrutando como un niño cuando vuelvo a visionarlas por enésima vez. Tal y como están las cosas en Hollywood en estos momentos, y viendo el montón de películas completamente insulsas y descartables, pongo en duda que sean capaces de hacer una secuela digna y mucho menos un remake que mantenga el espíritu y la dignidad de las originales. Y el leer que Zac Efron está interesado en interpretar a Marty McFly de hacerse una nueva saga, no ayuda a mejorar la perspectiva.

Desde mi humilde punto de vista como cinéfilo, creo que en ocasiones puntuales, si la película original realmente podía haber dado más de si pero no pudo ser por la falta de presupuesto, un remake para darla a conocer de nuevo a quien no la haya podido disfrutar en su momento y sacarle más jugo del que tenía es algo justificable y que puede tener un gran interés. Pero la producción en masa de este tipo de películas con la única finalidad de recaudar dinero fácil a costa de la juventud, sin esforzarse lo más mínimo en hacerlo con dignidad, en poner el alma en ello para que la idea original no pierda la suya, es sencillamente abominable. Es jugar con los recuerdos y los sentimientos de quienes tantas aventuras hemos vivido con esos personajes, tanto nos hemos emocionado delante de la pantalla, tanto nos hemos reído y hemos sufrido con ellos, para ahora verlos convertidos en fantoches de chiste fácil, con más agujeros en el guión que un queso de gruyere. Las cosas, o se hacen bien, o no se hacen.